Contemporary Art & Extractivist Culture

May 14, 2025 | Conferences

Contemporary Art & Extractivist Culture
1st International Conference
May 14-15, 2025. Faculty of Arts, University of Lleida; Faculty of Geography and History, University of Barcelona.
Hybrid format (on-site and online, see link below)

Extractivism refers to a mode of wealth accumulation based on the extraction of raw materials and more-than-human life forms for its commercialisation. As geographer David Harvey (2003) has argued, this process of accumulation relies on the dispossession of common goods through processes of privatisation, financialisation, crisis management and manipulation, and the state redistribution of income. The origin of this pattern goes back to the European colonisation of the Americas in the late 15th and early 16th centuries, and the practices of plunder and expropriation of goods, bodies, and knowledges that this entailed. As semiotician Walter Mignolo (2007) maintains, the process of colonisation itself established the conditions for the extraction of resources and the enslavement of labour. Today, extractivism is more relevant than ever, at times even promoted by progressive governments who tend to invest more of the profits of extractivism into public services and social policies. However, despite the redistribution of wealth and social welfare that these governments preach, progressive extractivism continues to generate a profound impact on ecosystems and communities.

Although it is often framed as a fundamentally technical issue (as an ‘industry’), in reality extractivism is a multifaceted phenomenon, encompassing the fields of politics, economics, ecology, research and science, society and culture. These fields establish the conditions of possibility for the legitimisation and application of extractivism. Moreover, the implementation of these practices by governments is based on the argument that they help overcome poverty, generate jobs, and contribute to economic growth. Yet extractivism’s negative impact on ecosystems and people is all-encompassing, including the depletion of resources, loss of biodiversity, environmental pollution, production of large-scale waste, and dispossession of local communities’ territories. State and corporate responsibility for its impact is limited to compensation and restitution of damages, rendering the affected people and their territories effectively invisible. Extractivism has not only generated negative environmental impact; it has also produced citizen resistance through activism championing the discontinuation of predatory projects, the alleviation of the lives of communities suffering the consequences of extractivism, and the promotion of alternative practices rejecting a development model based on unlimited growth sustained by the intensive extraction and commodification of natural resources.

The 1st International Conference Contemporary Art & Extractivist Culture aims to generate a space for reflection and debate on how artistic practices can contribute understanding, critiquing and resisting extractivist dynamics. Along with the extractivism of natural resources, today we are witnessing a diversification and complexification of forms of subtraction: socio-cultural, epistemological, biotechnological and digital. These new ways of obtaining and accumulating wealth constitute a form of expanded extractivism that operates on material, virtual, semiotic, and cognitive relations. ‘Neo-extractivism’ (Mezzadra and Neilson, 2017) describes deterritorialised forms of extractivism, such as gene editing and data mining, in addition to more “literal” extractivism, such as mining and agribusiness. New forms of extractivism demonstrate that under the logic of advanced capitalism life as a whole becomes an object of monetisation, exploitation, and commercialisation, both at molecular and planetary levels. Underlying the extractivist model is a utilitarian paradigm that enables the normative subject to control, dominate, exploit, and commodify human and non-human subjects.

Today it is imperative to rethink the development model beyond humanism and anthropocentrism, to ask ourselves who benefits from extractivism and who is detrimentally impacted by its effects. We need analyses that navigate the paradoxes of extractive capitalism, which, by failing to distinguish between potentially marketable human and non-human entities, generates a form of post-anthropocentrism that participates in multi-species ecologies. Today it is necessary to place life at the centre of ethics, politics, and economics, to reconsider ways of valuing human and non-human life, and to promote democratic practices based on the common good, Buen Vivir (Acosta and Martínez, 2009), and the rights of Nature (Gudynas, 2014).

 

PROGRAMME

(Scroll down for abstracts and bionotes)

 

May 14, 2025. Aula Magna- Saló Víctor Siurana, Faculty of Arts, University of Lleida.
  • 9:00 – 9:10 a.m. Registration.
  • 9:10 – 9:30 a.m.

–Welcome. Prof. Natàlia Alonso, Vice-Rector for Research, Faculty of Arts, University of Lleida.
–Presentation of Visuality and Geoaesthetics in the Era of Ecosocial Crisis (VIGEO) research group, Dr. Nasheli Jiménez del Val, co-director of the conference.
–Presentation of the conference. Dr. Christian Alonso (Department of Geography, History and History of Art, University of Lleida), co-director of the conference.

Panel 1. Main speaker: Prof. Juan Martin Prada. Moderator: Dr. Nasheli Jiménez del Val.

  • 9:30 – 11:00 a.m. Prof. Juan Martín Prada (Universidad de Cádiz), Creación artística, capitalismo de datos y extractivismo digital. Keynote talk.
  • 11:00 h – 11:30 a.m. Cofee break.
  • 11:30 – 11:50 a.m. Nicolás Marín Bayona (Université Catholique de Louvain). Digital Art History como extractivismo epistémico: algoritmos, museos y la apropriación del saber visual.
  • 11:50 – 12:10 p.m. Dr. Ferran Lega Lladós (Escola Politècnica Superior, Universitat de Lleida). Procesos éticos en el extractivismo de datos de plantas en el arte contemporáneo.
  • 12:10 – 12:30 p.m. Dr. Janet Merkel (Technische Universität Berlin) & Aris Spentsas (artist). Challenging Extractivist Art Practices: The PLANT-Project and the Role of Permaculture in Regenerative Artistic Methodologies.
  • 12:30 – 12:50 p.m. Paula Fernández Álvarez (Universidad Complutense de Madrid). Los estratos de la tierra son un museo revuelto». Imaginarios underground y comunidades imaginadas.
  • 12:50 – 1:30 m. Discussion.
  • 1:30 – 2:30 m. Lunch break.

Panel 2. Main speaker: Dr. Rick Dolphin. Moderator: Dr. Christian Alonso.

  • 3:00 – 4:30 p.m. Prof. Rick Dolphijn (Utrecht University). Property or Possession. Rethinking the Land and the Colonial. Keynote talk.
  • 4:30 – 4:50 p.m. José Angulo & Dr. Quim Bonastra (Department of Geography, History and Art History, University of Lleida). Reivindicar el cuidado desde las periferias: “Consejo de Mujeres” como práctica de resistencia afectiva y ética comunitaria
  • 4:50 – 5:10 p.m. Ibai Gorriti (Critical Inquiry Lab _ Design Academy Eindhoven). The curatorial absorption, capture of radical aesthetics in the white cube.
  • 5:10 – 5:30 p.m. Pamela Cristina Cevallos Salazar (Faculty of Architecture, Design and Arts, Pontifical Catholic University of Ecuador). Archaeologies of dispossession: Huaquería, collecting and artisanal memory in resistance.
  • 5:30 – 5:50 p.m. Dr. Mirko Nikolić (Södertörn University). Memoryscapes of extractivism, fascism and resistance: A mine project in the valley of Jadar in an internationalist perspective.
  • 5:50 – 6:30 p.m.
May 15, 2025. Aula Magna & Room 401, Faculty of Geography and History, University of Barcelona.

 

Aula Magna

  • 9:00 – 9:10 am. Registration.
  • 9:10 – 9:30 am.

–Welcome. Dr. Martí Peran (Department of Art History, University of Barcelona), Visuality and Geoaesthetics in the Era of Ecosocial Crisis (VIGEO) research group director.
–Presentation of Visuality and Geoaesthetics in the Era of Ecosocial Crisis (VIGEO) research group. Prof. Anna Maria Guasch (Department of Art History, University of Barcelona), and Dr. Nasheli Jiménez del Val, co-directors of the conference.
–Presentation of the conference. Dr. Christian Alonso (Department of Geography, History and History of Art), University of Lleida, co-director of the conference.

Panel 3. Main speaker: Dr. Joaquín Barrientos. Moderator: Prof. Anna Maria Guasch.

  • 9:30-11:00 a.m. Extracción y postnaturaleza. Redefiniendo la historia del arte en la era del brutalismo energético. Dr. Joaquín Barriendos (Tecnológico de Monterrey). Keynote talk.
  • 11:00 a.m. – 11:30 a.m. coffee break
  • 11:30 – 11:50 am. Prof. David Castañer (Université Paris Panthéon Sorbonne, HiCSA_Histoire Culturelle et Sociale de l’art). The Artist as Extractivist? / El artista como extractivista?
  • 11:50 a.m. – 12:10 p.m. Prof. Jonathan Harris (University for the Creative Arts). Apocalyptic Photographs: Representation of Extractive Hells in the Conflicts of Globalization.
  • 12:10 – 12:30 p.m. Jack Isles, Alagie Jinkang, Lorenzo Pezzani & Sarah Walker – LIMINAL Lab (University of Bologna). Emptying the Sea.
  • 12:30 – 12:50pm. Dr. Yadis Vanessa Vanegas-Toala (Universidad Politécnica Salesiana) & Dr. Christian León (Universidad Andina Simón Bolívar). Cine eco-territorial, memoria y extractivismo en la Amazonía ecuatoriana: Una análisis sobre Allpamanda (2023) del colectivo Tawna.
  • 12:50 – 1:10 p.m. Dr. Miriam del Saz (Universitat Politècnica de València) and Dr. Chiara Sgaramella (Universitat de Barcelona). El saber a les mans. Arte público y experimentación gráfica en escucha del territorio.
  • 1:10 p.m. – 1:50 p.m. Discussion.

Room 401

Panel 4. Round Table. Moderator: Dr. María Íñigo Clavo.

  • 17:00-18:30 h. Minería, Sequía, Colonialismo. Participants: Dr. Bárbara Fluxá (artist and researcher, Universidad Complutense de Madrid), Dr. Paula Bruna (artist and researcher), Gabriela Bettini (artist and researcher).

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Contemporary Art & Extractivist Culture
1st International Conference
May 14 and 15, 2025. Faculty of Arts, University of Lleida; Faculty of Geography and History, University of Barcelona.

Direction: Dr. Christian Alonso (Universitat de Lleida), Dra. Anna Maria Guasch (Universitat de Barcelona), Dra. Nasheli Jiménez del Val (Art, Globalization, Interculturality).
Organised by: Research and development project “Visualidad y Geoestética en la Era de la Crisis Ecosocial” (VIGEO, PID2022-139211OB-I00), Universitat de Barcelona.
In collaboration with: Facultat de Lletres, Universitat de Lleida, youth participation project “La voz de la juventud en la era de la inteligencia artificial: retos y oportunidades”, Erasmus+, European Union (KA154-YOU-7D65C45B), Regidoria de Joventut, Ajuntament de Lleida.
Coordination: Alessia Gervasone, Anna Pérez Milán.
Image caption: Bàrbara Fluxà, Paisaje minado. Dibujando la destrucción de otro tiempo, 2013.
The conference is part of the mediation programme of the group show “Extractivisms. 13th Leandre Cristòfol Art Biennial”, La Panera Centre for Contemporary Art (Lleida), curated by María Íñigo Clavo and Christian Alonso, 22.02.2025 — 25.05.2025.

Registration, attendance and contact:

Participants interested in attending can register at the following form: https://shorturl.at/QNiE1

Link to join the virtual session: https://shorturl.at/nP3pJ

For any other enquiries, please contact [email protected]

 

References:

Acosta, A; Martínez, E; (Ed.). El buen vivir. Una vía para el desarrollo. Quito: Abya-Yala, 2009.

Gudynas, E; Derechos de la naturaleza. Ética biocentrada y políticas ambientales. Lima: Centro Latino Americano de Ecología Social, 2014.

Harvey, H. The New Imperialism. Oxford: Oxford University Press, 2003.

Mezzadra, A.; Neilson, B. «On the Multiple Frontiers of Extraction: Excavating Contemporary Capitalism». Cultural Studies, 2017, available at: http://dx.doi.org/10.1080/09502386.2017.1303425

Mignolo, W. D. La idea de América Latina: La herida colonial y la opción decolonial. Barcelona: Gedisa, 2007.

 

Abstracts & bionotes

 

Prof. Juan Martín Prada (Universidad de Cádiz), Creación artística, capitalismo de datos y extractivismo digital. Keynote talk.

 

Abstract: El concepto de extractivismo digital ha devenido una herramienta fundamental para entender las dinámicas económicas y de poder en la era digital, y especialmente para la comprensión de la revolución protagonizada por la inteligencia artificial. Derivado del campo de la economía y la ecología, este concepto se aplica en el contexto digital para describir cómo las grandes corporaciones tecnológicas extraen, muchas veces sin limitaciones, datos personales, imágenes, textos y otros tipos de información de las redes sociales y plataformas digitales. Son prácticas que se asemejan a la extracción masiva de recursos naturales tanto en su escala como en los desequilibrios que generan, en un proceso permanente de capitalización de nuestras interacciones vitales online así como de todas las formas de la creatividad humana. Un eje central de esta conferencia será la dependencia de los modelos de IA para su entrenamiento de vastas cantidades de datos e imágenes recopilados sin el consentimiento explícito de quienes los crearon. Esta dinámica suscita innumerables interrogantes de carácter ético sobre el uso de la IA como medio creativo. Asimismo, exploraremos cómo los artistas contemporáneos utilizan, critican y deconstruyen estas dinámicas de extractivismo digital en su práctica, en una nueva vía de confluencia entre ética y estética.

 

Bio: Juan Martín Prada es catedrático de la Universidad de Cádiz, donde dirige el grupo de investigación «Teorías estéticas contemporáneas HUM-1012». Autor de numerosos artículos y ensayos sobre estudios visuales, estética y teoría del arte contemporáneo y de los libros La apropiación posmoderna. Arte, práctica apropiacionista y Teoría de la posmodernidad (ed. Fundamentos, 2001), Prácticas artísticas e Internet en la época de las redes sociales (AKAL, Colección de Arte contemporáneo, 1ª edición 2012), Otro tiempo para el arte. Cuestiones y comentarios sobre el arte actual (Sendemà 2012), El ver y las imágenes en el tiempo de Internet (AKAL, Colección de Estudios Visuales, 2018), Teoría del arte y cultura digital (AKAL, Colección de Arte contemporáneo, 2023), etc. Ha colaborado en numerosas revistas nacionales e internacionales, como Revista de Occidente, Revista Española de Investigaciones Sociológicas REIS (Centro de Investigaciones Sociológicas, CIS), Revista de Filosofía, Estudios visuales, Fibreculture-The Journal, EXIT, Eikón/Imago, Red digital, Flúor, Papers d’art (Fundació Espais d’Art Contemporani), Aureus (México), A mínima, Temps d’art, Transversal, DeForma (ed. Sendemà), Re-visiones, Revista de artes visuales (Universidad Autónoma del Estado de México), Educación y Biblioteca, Mono (Universidade do Porto), Reflexión, arte y educación (Universidad Autónoma de Aguascalientes, México), AI & Society (Springer Nature) o en el suplemento «Cultura/s» de La Vanguardia de Barcelona, entre otras muchas publicaciones impresas y digitales. Más info: www.juanmartinprada.net

 

 

Nicolás Marín Bayona (Université Catholique de Louvain). Digital Art History como extractivismo epistémico: algoritmos, museos y la apropriación del saber visual.

 

Abstract: La Digital Art History (DAH) ha emergido como un campo interdisciplinario que aplica Computer Vision a la historia del arte. Sin embargo, más allá de su aparente neutralidad técnica, este texto argumenta que la DAH opera como un mecanismo de extractivismo epistémico, en el que las obras de arte son consideradas reservas de datos visuales que pueden ser extraídas, procesadas y operacionalizadas sin atender a las dinámicas de poder que estructuran la producción del conocimiento. Más aún, la DAH no solo extrae datos, sino que al hacerlo, reterritorializa el saber en beneficio de una lógica extractivista. A través de un discurso tecnocientífico, naturaliza la relación entre las imágenes, generando una historia del arte fantasmática, una cartografía espectral donde las conexiones entre obras parecen evidentes cuando en realidad responden a estructuras heredadas de expolio, colonialismo y sesgos historiográficos. Como un museo imaginario que oculta los rastros de su propio saqueo, la DAH presenta su sistema de relaciones como natural, perpetuando y amplificando jerarquías y fronteras en lugar de cuestionarlas. Frente a una epistemología visual que apostaba por la itinerancia conceptual y la apertura disciplinar (Bal, 2002; Brea, 2010), la DAH clausura el conocimiento dentro de marcos computacionales que refuerzan estructuras de control. Así, rompe con la posibilidad de un espacio de encuentro y montaje, donde las imágenes dialogan y generan nuevos sentidos, sustituyéndolo por una reterritorialización que impone fronteras allí donde antes se tendían puentes . A través del análisis de proyectos recientes, como Procruste (KULeuven) y CLIP (Art Institute of Chicago), esta investigación examina cómo el extractivismo digital transforma la relación con las imágenes artísticas en un modelo de explotación de datos, replicando la lógica de acumulación propia del colonialismo epistémico y del capitalismo digital. Además, se discuten los museos como “reservas disponibles” (Heidegger, 1954), cuya función se reconfigura para servir como proveedoras de contenido sin cuestionar los marcos económicos y políticos de la digitalización del patrimonio. Finalmente, recuperar la pluralidad y movilidad del saber no es solo una alternativa, sino una necesidad urgente para resistir estas dinámicas.

 

Bio: Nicolás Marín Bayona es historiador del arte por la Universidad de Zaragoza y esgresado de la EHESS Paris, actualmente investiga como doctorando en Estudios Visuales en la Université Catholique de Louvain. Su trabajo se sitúa en la intersección entre historia del arte, epistemología de la imagen y humanidades digitales, con un enfoque en las implicaciones del conocimiento posdigital en la producción y circulación de imágenes. Ha participado en proyectos sobre museografía y biblioteconomía así como sobre visión computacional aplicada al arte. Ha sido docente en CELSA Paris-Sorbonne y ha colaborado con instituciones como la Fondation Giacometti y el Collège de France. Su investigación actual aborda las dinámicas extractivistas del conocimiento y los datos en el arte digital, explorando la relación entre imagen, tecnología y poder en el contexto contemporáneo.

 

Dr. Ferran Lega Lladós (Escola Politècnica Superior, Universitat de Lleida). Procesos éticos en el extractivismo de datos de plantas en el arte contemporáneo.

 

Abstract: En las últimas décadas la proliferación y democratización tecnológica ha permitido la implementación de proyectos artísticos que integran la extracción de datos de plantas mediante sensores. Artistas como Špela Petrič, María Castellanos, o la pionera del arte interactivo Christa Sommerer con Interactive plant growing (1992), exploran con su uso la forma de relacionarnos con otras especies. Castro (2023, 15) cita que los “estudios multiespecie examinan cuáles son las implicaciones epistemológicas, éticas y políticas que conlleva prestar atención a la agencialidad de la mirada de formas de vida más allá de la intencionalidad humana”. Dentro del contexto del extractivismo digital, centrado en la visualización de las huellas ecológicas de las tecnologías digitales, existe el debate sobre la cuestión ética del desarrollo de proyectos que extraen datos de plantas y como esto puede afectarlas. Gibson (2018, 27) aborda la cuestión fundamental del uso de plantas como seres no sensitivos por parte de algunos artistas que utilizan todo tipo de sensores con el objetivo de crear obras sonoras, controlar dispositivos o estimular la participación mediante su tacto. Esto evidencia problemas éticos a la hora de su uso pensando en el bienestar, las obligaciones y las implicaciones epistemológicas que como artistas debemos tener en cuenta. En el desarrollo de mis proyectos con plantas como Thymus Vulgaris (2023), se enfatiza el uso ético y responsable con estas. Se elige la especie basándose siempre en el proyecto y mediante plantas de vivero, la recolección de datos con sensores se diversifica entre diferentes especímenes durante la exposición para la mínima afectación de su estructura, la forma expositiva emula su ecosistema real y al finalizar la exhibición se reintroducen en su entorno ecosistémico real.

 

Bio:  Ferran Lega es doctor en Bellas Artes especializado en la visualización del sonido. Combina la docencia como profesor en el grado de diseño digital y tecnologías creativas de la UDL con la práctica artística. Es miembro del grupo de investigación GRIHO (grupo de investigación en interacción persona-ordenador), y ha publicado artículos científicos en revistas de prestigio como Artnodes o BRAC. Ha presentado comunicaciones en los congresos más prestigiosos del ámbito ACTS como ISEA, Techanrte, Arts in society, Art, science and city entre otros. Ha recibido becas de diferentes instituciones como La fundación Botín, la Generalitat de Cataluña, Lo Patí Amposta, CMMAS México, Sala de arte Joven. Sus proyectos artísticos se han expuesto en La fundación Tàpies, CCCB, Arts Santa Mònica, Centro de arte La Capella, Centro de arte La Panera, Eufònic, Sonar, In-sonora, MEM Bilbao, Bideodromo Bilbaoarte Fundación, Museo Morera, Museo de Tortosa, Galería ATM Gijón, Galería Leucade Murcia, etc.

 

Dr. Janet Merkel (Technische Universität Berlin) & Aris Spentsas (artist). Challenging Extractivist Art Practices: The PLANT-Project and the Role of Permaculture in Regenerative Artistic Methodologies.

 

Abstract: This paper critically examines the PLANT-Project, a two-year Creative Europe-funded initiative that interrogates extractivist tendencies in contemporary art by integrating permaculture principles, commoning, and contextual art. Based on participant observations, interviews, and group discussions from the project’s external evaluation, it explores how PLANT fosters sustainable, ethical, and community-centered artistic methodologies. Extractivism in art often manifests through practices that appropriate local knowledge, cultural narratives, or ecological resources without meaningful reciprocity. Conventional site-specific art, while engaging with place, can still reproduce extractive dynamics when artists impose narratives or interventions without sustained community involvement. PLANT challenges this by applying permaculture ethics—care for people, care for the earth, and fair share—to artistic production, fostering a model where artistic engagement is regenerative rather than exploitative. Commoning further strengthens this approach by prioritizing collective stewardship over individual ownership, ensuring that artistic work remains embedded in reciprocal relationships. A key concept in PLANT is the permaculture notion of “yield”, reframing artistic production as something that should give back to communities rather than merely taking from them. This perspective shifts artistic practices away from resource extraction toward mutual enrichment, encouraging artists and institutions to rethink their roles within social and ecological systems. Through participatory methodologies, PLANT develops alternative modes of working that emphasize care, slowness, and long-term engagement over rapid production and spectacle. By positioning PLANT within broader debates on art in the Anthropocene, this paper argues that challenging extractivist paradigms in art is critical to fostering more just and ecologically attuned practices. Drawing on scholars such such as Guzzo et al. (2024) and Puig de La Bellacasa (2017) , it explores how permaculture-informed artistic methodologies can contribute to decolonial, place-based, and regenerative approaches to art-making.

 

Bio: Dr. Janet Merkel is an urban sociologist at the Institute of Urban and Regional Planning at Technische Universität Berlin. Her research explores the social and spatial dimensions of independent work, the culture and creative industries, and the intersections of creative labor, cultural planning, and urban policy. She has published widely on these topics and recently co-edited Coworking Spaces: Alternative Topologies and Transformative Potentials. Her current work examines communing practices in the GLAM sector, investigating how shared governance, finance, and resource management shape cultural institutions. In addition to her academic research, she has contributed her expertise as an external evaluator for the PLANT project, critically assessing its integration of permaculture principles into artistic and curatorial practices. Dr. Merkel’s work is deeply engaged with questions of spatial justice, urban commons, and the evolving role of cultural policy in Contemporary cities.

 

Aris Spentsas is an interdisciplinary artist with a background in economics and a strong interest in contextual practices and audience participation. He publishes texts on performing arts and recently edited the book What If We Were Viewers(UPV Editorial). He holds a Master in Art Production with a specialization in Public Art from the Polytechnic University of Valencia. As a member of PLANT’s production team, where he oversees the day-to-day management of the project’s implementation in Greece. He is also part of rosanyaris, an artistic duo based in a small village within a natural park in mainland Alicante. Since 2012, they have developed interdisciplinary projects across various cities and countries, working at the intersection of life and visual arts.

 

Paula Fernández Álvarez (Universidad Complutense de Madrid). Los estratos de la tierra son un museo revuelto». Imaginarios underground y comunidades imaginadas.

 

Abstract: Robert Smithson cuestiona en su artículo A Sedimentation of the Mind (1968) los límites histórico-artísticos a partir de la ruina del paisaje extractivo. Para el artista, los medios no mueren: se deterioran, combinan, historizan, coleccionan, subsisten o reapropian desde la geología abstracta (Parikka, 2021). Partiendo del marco interdisciplinar arte, ciencia y tecnología, propio de los Ruin Studies y la arqueología de medios, esta propuesta toma el paisaje minero en ruina contemporáneo como objeto crítico de estudio, a través de dispositivos gráficos y/o visuales que registran su transformación. El extractivismo fósil es una forma de dominación que afecta a lo humano y lo no-humano. Hay tantos minares como agencias, tiempos y narrativas de minar. ¿Cómo se mina un paisaje? ¿Cómo se hace? Estas incógnitas son respondidas por mapas, estratigrafías, trazados, diagramas, así como otras infraestructuras materiales, que articulan relaciones entre naturaleza y cultura, humano y máquina, capital y conocimiento, así como sujeto y objeto desde las cultural techniques (Mitchell, 1995; Siegert, 2015). Así, se explora el bocetado, proyecto y diseño, pero también la erosión, decadencia y descomposición del paisaje extractivo del carbón como un proceso dinámico desde los imaginarios culturales (Andrews, 1990; De Diego, 2008; Mah, 2012; DeSilvey, 2017). La naturaleza imparcial de la visualidad es cuestionada desde la complejidad de las narrativas identitarias mineras, abordando la tensión entre esencialismo estratégico y la emergencia de comunidades imaginadas desde las prácticas (Spivak, 1988; Anderson, 1983). Desde la persistencia de los pasados no-ausentes hasta la dimensión fantasmagórica del poder, se examinan las huellas del capitalismo fósil y la desmemoria en los imaginarios underground. Estos se siguen configurando el presente pueden ser afectados desde este museo revuelto al que aludimos (Domanska, 2005; Gordon, 2008).

 

Bio: Paula Fernández Álvarez es investigadora contratada predoctoral FPU en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Sus líneas de investigación en cultura visual y estudios culturales exploran paisajes posindustriales, ruinas contemporáneas y narrativas visuales del extractivismo energético. Es graduada en Historia del Arte (UCM, Premio Extraordinario, 2019 2020) y máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual, con especialización en Teoría y Crítica de Arte (UAM, UCM, MNCARS). Es miembro del proyecto internacional Deindustrialization and the Politics of Our Time (SSHRC, Ottawa) y del grupo de investigación Imaginarios. Procesos culturales de la contemporaneidad occidental (UCM, Madrid). Ha sido investigadora JAE Intro en el Instituto de Filosofía (CSIC), documentalista FormARTE de diseño contmeporáneo en el MNAD y documentalista en prácticas de Artes Performativas e Intermedia en el Museo Reina Sofía. Ha realizado estancias de investigación en el Institut d’Histoire de l’Art et d’Archéologie (Sorbonne Université) y el Institut für Soziale Bewegungen (Ruhr-Universität Bochum).

 

 

 

 

Prof. Rick Dolphijn (Utrecht University). Property or Possession. Rethinking the Land and the Colonial. Keynote talk.

 

Abstract: When Sigmund Freud visited the Netherlands in the 1920s, he oversaw the Dutch landscape while travelling by rowing boats, carriages, and on foot. The reclamation of the Zuyderzee especially made an impression. He concluded that this drive for culture to control nature was similar to how the Ego wanted to control the Id. Of course, this was not a recent phenomenon in the Netherlands. During two earlier visits (in 1908 and 1910), Freud visited the major museums of the Netherlands where he was especially interested in the landscape painters of the seventeenth century. Landscape is actually one of those Dutch words that was adopted in many other languages. Embodying the scaped land, or, exploring the ways in which nature is scaped by men, painters like van Jacob van Ruisdael, Albert Cuyp, and Rembrandt van Rijn, may be seen as part of a particularly Dutch tradition of engineering that also included creative thinkers like Simon Stevin, Antonie van Leeuwenhoeck, and Christaan Huygens. The Dutch not only felt the need to control the sea (ergo the unknown, the Id) in the Netherlands but also in their former colonies, in particular, Indonesia. With the scholarship of Hugo Grotius and the sociatal discussions in 17th century Europe, we come to talk of land and sea, or property and posession. The work of Marx is crucial in the end for understanding the radical difference between these terms (mostly elaborated upon in Die Grundrisse). Reading these historical sources next to some current authors (Amitav Ghosh, Pramoedya Ananta Toer) my aim is to see what the difference between property and posession means in contemporary capitalism. With a special interest in the coast (where the water and the land meet) and the stories and songs of those who live at the coast, the aim practice a philosophy of land.

 

Bio: Dr. Rick Dolphijn is a writer, educator, and curator, serving as an associate professor at Media and Culture Studies, Humanities, Utrecht University. He published widely on continental philosophy (Gilles Deleuze and Michel Serres) and the contemporary arts. He studies posthumanism, new materialism, material culture (food studies), and ecology. He holds over 100 academic publications, including eight books, the last monograph being The Philosophy of Matter: a Meditation, which appeared with Bloomsbury Academic in 2021 (with translations in Dutch and Korean). He is a PI in three international research projects: Food2Gather (HERA funded 2019-2022), IMAGINE (Norwegian Research Council 2021-2024), CONVIVIUM (EU HORIZON 2024-2027). In collaboration with the University of Gdansk, he is setting up a More-Than-Human Studies Lab at Utrecht University.

 

José Angulo & Dr. Quim Bonastra (Department of Geography, History and Art History, SENSCLUSION, University of Lleida). Reivindicar el cuidado desde las periferias: “Consejo de Mujeres” como práctica de resistencia afectiva y ética comunitaria.

 

Asbtract: En los últimos años, se ha vuelto cada vez más habitual que actores de movimientos sociales expresen reservas hacia su participación en procesos de investigación y prácticas artísticas comunitarias. Estas prácticas son a menudo percibidas como formas de extractivismo epistémico, donde herramientas como las entrevistas o la observación no participante se experimentan como ejercicios jerárquicos, sin retorno, e incluso como dispositivos de vigilancia. En este contexto, gestos cotidianos para el investigador, como usar una grabadora, pueden ser vividos por colectivos vulnerabilizados como una intromisión violenta, similar a una investigación policial. Frente a esta situación, el proyecto Consejo de Mujeres, desarrollado en el barrio Besòs i Maresme de Barcelona como parte de una propuesta para MANIFESTA 15 (2024) y en el marco de la investigación SENSCLUSION, proponía una forma alternativa de entender la investigación y las prácticas artísticas. El proyecto ponía en el centro las redes de cuidado sostenidas por mujeres del barrio —muchas de ellas migrantes y racializadas—, reconociendo su papel en la reproducción de la vida comunitaria en contextos urbanos periféricos. A partir del trabajo previo de SENSCLUSION, se han desarrollado herramientas metodológicas que cuestionan el rol del observador externo y apuestan por una participación radical, afectiva y simétrica. Siguiendo planteamientos como el de “dejarse afectar” (Favret-Saada, 2009) y la etnografía simétrica (Cantón-Delgado, 2017), el proyecto rechaza la extracción de conocimiento desde posiciones privilegiadas, promoviendo en su lugar procesos de co creación, escucha y cuidado. La alianza entre los colectivos implicados y las mujeres del barrio debía dar forma a una investigación y práctica artística situada, relacional y comprometida con la transformación social.”

 

Bio: José Angulo is a predoctoral researcher in the Department of Geography and History at the University of Lleida, where he is a member of the SENSCLUSION research group. He studied Sociology at the University of Granada and specialized in the Study of Religions at the Pablo de Olavide University. His doctoral research focuses on the construction of resistance tools within marginalized urban neighborhoods, drawing on affective methodologies and participatory ethnography.In parallel, he investigates the religious-spiritual and political dimensions of electronic dance music. His Master’s thesis was based on a six-month ethnography within the European free party circuit, analyzed through the work of authors such as Foucault, Agamben or Tiqqun. He is currently expanding his research on electronic music festivals and their potential geopolitical and neocolonial implications.

 

Dr. Quim Bonastra is Associate Professor of Human Geography at the University of Lleida, where he works at the intersection of geography, art, urban studies, and education. His research explores the spatial dimensions of social conflict, spaces of control, and memory, with a particular interest in how artistic practices can intervene in and transform urban environments. He has led and participated in numerous funded research projects on socio-spatial inclusion, spatial regulation, and the affective atmospheres of public space. Bonastra is also a member of MITO Collective, where he collaborates on artistic research projects that combine creative geographies and critical pedagogy. His recent work investigates non-representational methods and the role of contemporary art in rethinking urban experience.

 

Ibai Gorriti (Critical Inquiry Lab _ Design Academy Eindhoven). The curatorial absorption, capture of radical aesthetics in the white cube.

 

Abstract: Esta comunicación propone una relectura crítica de los axiomas del arte contemporáneo, tomando como punto de partida las reflexiones de Suhail Malik sobre la condición actual de la institución estética. Se argumenta que, desde sus orígenes coloniales hasta el presente, el arte ha operado como un mecanismo de captura y estetización de lenguajes radicales, despojándolos de su potencial político transformador. Partiendo del papel del comisariado y cómo este rol y su negación Duchampiana ha contribuido a la fetichización de ideas revolucionarias dentro del espacio institucional. Se analiza la transición de un modelo extractivo basado en la apropiación de «objetos exóticos» durante el periodo colonial, a un modelo inmaterial que explota el capital cultural y simbólico de movimientos sociales y teorías críticas. Se examina cómo el «Nuevo Espíritu del Capitalismo», tal como lo describen Luc Boltanski y Ève Chiapello, se manifiesta en el arte, donde el capital inmaterial de corrientes como el postestructuralismo, el feminismo, la teoría queer y los estudios postcoloniales es extraído, estetizado y convertido en mercancía cultural. Se plantea una crítica a la noción de «impacto social» del arte, heredada de las vanguardias históricas, y se cuestiona la aspiración de transformar la sociedad a través de la fuerza estética. Se subraya la necesidad de una revisión crítica de la autonomía del arte en un contexto de extractivismo cultural global, donde la apropiación de discursos críticos se ha convertido en una práctica común. Se propone una reflexión sobre las estructuras que permiten la captura y estetización de lenguajes radicales, y se invita a repensar el papel del arte como agente de cambio en un mundo marcado por la desigualdad, la explotación y la crisis sistémica. Se busca fomentar un debate sobre las posibilidades de resistencia y transformación dentro del campo artístico, y sobre la necesidad de construir prácticas artísticas que sean capaces de desafiar las estructuras de poder.

 

Bio: Graduade en Media & Cultural Studies por la Universidad de Barcelona y la Universidad de York. Recientemente, he comisariado Deep Objects en De Fabriek y La Impròpia, programa de mediación de la exposición ‘Sade: La libertad o Mal’ en el CCCB. También he sido fellow del proyecto ‘Unfinished Publics: Art & Democracy’ de la Transcultural Academy y residente en Index, Estocolmo, en el contexto de la retrospectiva de Vaginal Davis, también he participado en la Summer School de De Appel y programas públicos en Tate Exchange, Haus der Kultuer der Welt, documenta 15 y Biennale Warszawa. Anteriormente, he colaborado con el colectivo DIS y Mohammad Salemy, así como con el grupo de investigación Arte, Arquitectura y Sociedad Digital.

 

Pamela Cristina Cevallos Salazar (Faculty of Architecture, Design and Arts, Pontifical Catholic University of Ecuador). Archaeologies of dispossession: Huaquería, collecting and artisanal memory in resistance.

 

Abstract: Esta ponencia examina la relación entre huaquería, coleccionismo y artesanía en La Pila (Manabí, Ecuador), una comunidad cuya tradición alfarera ha sido atravesada por dinámicas de apropiación y despojo del patrimonio cultural. Se reflexiona sobre cómo las prácticas artísticas y curatoriales pueden operar como espacios de resistencia, evidenciando las tensiones entre los regímenes patrimoniales estatales y las memorias vivas de comunidades históricamente relegadas en la producción de conocimiento sobre su propio legado. La huaquería—excavación y comercialización informal de bienes arqueológicos— fue incentivada tanto por el Estado ecuatoriano como por mercados internacionales de coleccionismo (Cevallos, 2018; Yates, 2015). Instituciones como el Banco Central del Ecuador promovieron indirectamente la extracción de objetos al adquirir piezas para sus colecciones. Paralelamente, los habitantes de La Pila desarrollaron un oficio artesanal basado en la reproducción de réplicas prehispánicas, generando un conocimiento técnico y estético sobre las culturas ancestrales. No obstante, lejos de ser reconocidos como productores de saberes, los artesanos han sido criminalizados bajo el discurso de la autenticidad patrimonial, reproduciendo jerarquías coloniales (Segato, 2013). Desde un enfoque interdisciplinario entre arte y antropología, se analiza cómo una forma de extractivismo ha operado en la apropiación de estos bienes a través del silenciamiento y deslegitimación de los saberes locales. Se exploran las tensiones entre las políticas estatales de protección patrimonial y las estrategias de resistencia comunitaria, como la creación del Museo Histórico y Artesanal La Pila

(Cevallos, 2024). Este espacio resignifica la memoria artesanal al posicionar la réplica como una forma legítima de producción histórica, desafiando las narrativas hegemónicas del patrimonio y reconfigurando las relaciones entre original y copia (Brulotte, 2012; Lerner, 2001).

 

Bio: Pamela Cevallos es artista, antropóloga y curadora. Candidata a doctora en Sociedad y Cultura por la Universidad de Barcelona, es profesora en la Pontificia Universidad Católica del Ecuador e investigadora en las intersecciones entre arte, antropología y patrimonio. Su trabajo examina el coleccionismo, la memoria y la producción de saberes en comunidades artesanales, abordando las tensiones entre la institucionalización del patrimonio y las prácticas locales. Ha desarrollado proyectos curatoriales y etnográficos en torno al Museo Histórico y Artesanal La Pila, explorando dinámicas comunitarias y estrategias colaborativas. Su producción artística cuestiona las apropiaciones del patrimonio, al tiempo que analiza el coleccionismo transatlántico y la formación de museos nacionales. Su enfoque combina la investigación crítica con la experimentación visual, ampliando los límites entre archivo, exhibición y activación comunitaria.

 

Dr. Mirko Nikolić (Södertörn University). Memoryscapes of extractivism, fascism and resistance: A mine project in the valley of Jadar in an internationalist perspective.

 

Abstract: The paper examines the role of critical memory practice in anti-extractivist struggles, and how these intersect with environmental and climate justice practices. It takes the ongoing movement against a lithium mine project in the valley of river Jadar, western Serbia, as a nexus from which to trace a trans-hemispheric history of relations between fascism and colonialism with extractivism, and to analyse the contemporary implications for eco-socially just transition. The focal point of this reading is the memory politics of the Jadar resistance movement, which insists on the company’s historical associations with authoritarian regimes. Here I recount the company’s relationship with the Francoist dictatorship in Spain, the apartheid regime in South Africa, and with the post-colonial government in Papua New Guinea. Today, the company seeks to brand itself as a leader in energy transition to a low-carbon economy, yet past injustices are part of the memory of the oppressed. The opposition to the project is evolving under an increasingly authoritarian right-wing government in Serbia, with roots in far-right ultranationalist politics of the 1990s. The somewhat unlikely alliance of the government and the company to develop the project achieves novel intensity with the EU support. Lithium-ion batteries are vaunted as the road towards decarbonisation. However, the dynamics of “social engineering of extraction” (Verweijen & Dunlap, 2021) observed in the project development trouble these narratives, and point to the murkier aspects of an energy transition imposed from above. Alongside the impending danger of “fossil fascism,” (Malm & the Zetkin Collective, 2022), I argue that we should also be wary to an evolving “tech fascism” and its actual and possible intersections with “green” authoritarianism, which may ultimately coagulate into “climate fascism” (Parenti, 2011). It is in this stark context that I assert the importance of grounded and collective critical memory practices as an integral component of climate justice work. The paper is based on the chapter written for the forthcoming book “Struggling with Fascism. Art, Politics and Memory Wars in Recent History,” edited by Cecilia Sjoholm, Gal Kirn, and Rebecka Thor Katz (2026).

 

Bio: mirko nikolić is a cultural and knowledge worker, environmental justice organiser with roots in the post-Yugoslavian space, now lives/works in Stockholm. He/they often work in collaborative constellations, primarily through place-specific performance and community engagement, in combination with writing, sound and photo/video. The main concerns in the work have been how to imagine and materialise justice in the areas of intense past, present or coming ‘nature resource’ extraction, with particular focus on eco-social impacts of mineral and metal mining and processing. He/they hold a PhD in Arts & Media Practice from the University of Westminster. Recently he/they completed an artistic research project “water is (non)life: de-extractivist poetics in the semi-periphery,” hosted at Linköping University. In April 2025, he/they are starting a postdoc at Södertörn University, focusing on documentary poetry as a mode of trans-national climate justice labour.

 

Dr. Joaquín Barriendos (Tecnológico de Monterrey), Extracción y postnaturaleza. Redefiniendo la historia del arte en la era del brutalismo energético. Keynote talk.

 

Abstract: Esta conferencia abordaremos la relación entre extracción, abstracción e historia del arte, desde las tensiones generadas por la crisis eco-social planetaria y la colonialidad climática. Nuestro punto de atención se centrará en el agotamiento del concepto de naturaleza, y en el estudio de las múltiples formas en las que ésta ha sido instrumentalizada como parte del relato geoestético de la historia del arte. Para avanzar en esa dirección, lo que propondremos en esta conferencia es la sustitución de la historia del arte con una aproximación tectónica de los fenómenos estéticos planetarios, en la que se pongan en valor la dimensión geológica de lo sensible, la materialidad climática del arte y la crítica de lo que nosotros llamamos el brutalismo energético.

 

Bio: Dr. Joaquín Barriendos (Ciudad de México, 1973) es doctor en Teoría del Arte por la Universidad de Barcelona. Se especializa en Estudios Visuales, Teoría del Arte e Historia Medioambiental de la Arquitectura. Es Profesor Investigador de la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño del Tec de Monterrey, en México. Anteriormente fue Latin American Cultural Studies Professor en Columbia University (Nueva York), Investigador Asociado del IIE-UNAM y Profesor Investigador en la Universidad de Barcelona. Ha sido Visiting Fellow de la New York University (NYU), de la Universidad Jules Verne (Francia), del Instituto Nacional de Historia del Arte de París (INHA) y de la Universidad Andina Simón Bolívar de Quito (Ecuador). Sus publicaciones han sido traducidas al alemán, inglés, francés, coreano, portugués, catalán e italiano. Es miembro del Sistema Nacional de Investigación del Concejo de Ciencia e Investigación de México.

 

Prof. David Castañer (Université Paris Panthéon Sorbonne, HiCSA_Histoire Culturelle et Sociale de l’art). The Artist as Extractivist? / El artista como extractivista?

 

Abstract: Esta ponencia se sitúa en la encrucijada de la crítica cultural con la historia del arte contemporáneo y las ecologías decoloniales. Se basa en casos de extractivismo natural minero, petrolero y de agricultura intensiva como el proyecto de minas de oro de Esquel, en Argentina, el mar de plástico de la provincia de Almería, en España, o las prácticas de greenwashing de la multinacional del petróleo BP. En un primer momento se tratará de estudiar la forma en que lxs artistas observan, acompañan, visibilizan, reparan o tratan de oponerse a dichos proyectos. Sin embargo, y a pesar de los discursos antiextractivistas que las acompañan, muchas de sus obras parecen ser prácticamente inoperantes en el campo de la ecología. ¿Cuáles son las razones de esa relativa ineficacia del compromiso artístico en contra del extractivismo? Tal vez, una de ellas es que el gesto artístico es, ya de por sí, una práctica extractivista. Si es verdad que lxs artistas tienden a verse como etnógrafos – como lo proponía Hal Foster en su famoso artículo de 1995 – entonces se les pueden aplicar el conjunto de críticas decoloniales que de la etnografía se han hecho como arquetipo de apropiaciones epistemológicas y culturales. No obstante, afirmar que lxs artistas son extractivistas acaba ocultando el hecho de que sus obras son, sobre todo, un recurso para el conjunto de coleccionistas de arte contemporáneo. Para entender cómo funciona esa pirámide extractivista en los mundos del arte contemporáneo, estudiaremos el caso de la exposición ecologista “Avant l’orage”, organizada por la collection Pinault, uno de los grandes coleccionistas de nuestro tiempo cuya colosal fortuna fue generada, irónicamente, por la explotación forestal y el comercio masivo de madera… Podremos concluir entonces que los límites inherentes al gesto artístico no condenan, ni mucho menos, los movimientos antiextractivistas al fracaso, ya que éstos funcionan con actores, estructuras, prácticas y discursos que no dependen de los mundos del arte.

 

Bio: David Castañer cursó un máster de filosofía política en la Ecole Normale Supérieure, obtuvo un doctorado por Sorbonne Université en Estudios Latinoamericanos y Artes Visuales y es catedrático en Université Paris Panthéon-Sorbonne desde 2019. Enseña, en castellano y francés, estudios culturales e historia del arte moderno y contemporáneo de América Latina. Sus investigaciones, centradas primero sobre la modernidad artística en Cuba, han ido evolucionando hacia la cuestión de las ecologías decoloniales en las artes de América Latina y Europa y hacia una historia crítica del mercado de arte contemporáneo. En paralelo a estas actividades, ha sido comisario de algunas exposiciones de arte, traduce poesía del catalán al francés y colabora frecuentemente con la revista de crítica literaria En Attendant Nadeau.

 

Prof. Jonathan Harris (University for the Creative Arts). Apocalyptic Photographs: Representation of Extractive Hells in the Conflicts of Globalization.

 

Abstract: Within the serial crises now enfolding the world, the ecological-environmental threat remains primary in existential terms. It has conjoined, however, with other actual and impending challenges, such as disease contagion, impact of pollution on employment mobility and refugee movement, and the production of safe drinking water, food, and sanitary conditions for the world’s poorest people. Artists such as Richard Mosse (UK), Mark Boulos (USA), and Rhiain Lefton (France) have addressed the historical and contemporary status of environmental degradation linked to extractive accumulation, using a variety of photographic and presentational modes.This paper examines recent activist contemporary art concerned with the visual and social contradictions of resource extraction, setting aesthetic and ecological components both in opposition and complementarity – within a much longer history of ‘worked’ landscape photography and before that painting, depicted, for instance, in works by Walker Evans (USA) and Joseph Wright of Derby (UK). This paper is derived from Harris’s new book, Contemporary Art in the Conflicts of Globalization (Routledge, Spring 2025).

 

Bio: Professor of History of Contemporary Art and Director of UCA Doctoral College, University for the Creative Arts in Canterbury (England). Harris is the author or editor of twenty books, including Modernism in Dispute: Art since the 1940s (Yale UP 1993), Federal Art and National Culture (Cambridge UP 1995), The New Art History (Routledge 2001) and The Utopian Globalists: Artists of Worldwide Revolution, 1919-2009 (Wiley-Blackwell 2013). He is the editor of a book collection for Liverpool University Press and, with Menene Gras (Casa Asia), of Contemporary Art in Global Asia (IB Tauris) . His next books are Contemporary Art in a Globalized World (Wiley-Blackwell) and The Myth of the Art Market: Neoliberalism in the Social Order of Contemporary Art (IB Tauris).

Harris is the author/editor of 25 books, including The Global Contemporary Art World (Wiley-Blackwell 2017), Terrorism and the Arts (Routledge 2021)\ and Contemporary Art in Global Asia (with Menene Gras and Bashir Makhoul, Routledge 2023). He is presently Professor of Art History at the University for the Creative Arts, Canterbury, England. His new book is Contemporary Art in the Conflicts of Globalization (Routledge, Spring 2025).

 

Jack Isles, Alagie Jinkang, Lorenzo Pezzani & Sarah Walker – LIMINAL Lab (University of Bologna). Emptying the Sea.

 

Asbtract: Along the West African coast the growing presence of fishmeal and fish oil (FMFO) factories is prompting adverse socio-economic and environmental impacts as marine biodiversity is damaged and local livelihoods are threatened, pushing many to embark on the perilous journey towards Europe. Meanwhile, European governments, notably Spain, contribute to and legitimize FMFO production whilst immobilising affected communities through the externalization of border control. ‘Emptying the Sea’ is a visual investigation tying together these two threads; documenting the damaging socio-economic and environmental impacts of FMFO production, and the patterns of forced mobility and displacement left in its wake. The investigation focuses on the The Gambian, one of West Africa’s smallest and youngest FMFO producers. Where local resistance to an increase in both FMFO production and border control has been met with widespread resistance. Through geo-spatial analysis, testimonies, and visual research and ‘Emptying the Sea’ reframes how artistic practices can be deployed to document and denounce extractive processes. In turn, highlighting the troubling connection between FMFO

production, EU consumer markets and displacement throughout the region. ‘Emptying the Sea’ will be presented by researchers and authors of the project, accompanied by snippets from the 15 min film based on the investigation’s findings,showcasing the investigative methodologies developed throughout the research.

 

Bio: Emptying the Sea is an investigation by LIMINAL; a laboratory investigating intersectional (im-) mobilities and border violence. Based in the University ofBologna’s Department of the Arts, it builds on more than ten years of experience in developing pioneering techniques of geospatial, media and open-source investigation in the context of the Forensic Oceanography and Border Forensics project. We work with communities affected by border violence to document and contest the harm created by unequal mobility regimes across multiple geographies and temporalities, mobilising strategies of spatial and visual analysis and forensic imagination. Our team is composed of architects, designers, and researchers, and we collaborate with a wide range of partners: from human rights organisations to investigative journalists, from activist groups to autonomous research centres, scientists and cultural institutions. Our work has been used as evidence in courts of law, published across different media and academic outlets, as well as exhibited and screened internationally.

 

Dr. Yadis Vanessa Vanegas-Toala (Universidad Politécnica Salesiana) & Dr. Christian León (Universidad Andina Simón Bolívar). Cine eco-territorial, memoria y extractivismo en la Amazonía ecuatoriana: Una análisis sobre Allpamanda (2023) del colectivo Tawna.

 

Abstract: En respuesta a la política extractivista impulsada por el Estado, en la Amazonía del Ecuador surgieron iniciativas audiovisuales en defensa de la memoria, el territorio y la vida. Este texto conceptualiza la noción de cine eco-territorial para referir a una práctica colaborativa entre distintos actores en la cual que convergen los derechos de los pueblos indígenas en diálogo con los derechos de la naturaleza a través de una estética y lengua propia. Este trabajo articula un enfoque interdisciplinar que convoca a los estudios prácticas audiovisuales indígenas, los estudios de la memoria y la crítica al extractivismo planteada desde América Latina. El texto se basa en el análisis audiovisual del documental Allpamanda (2023) –filme dirigido por el colectivo de cine Tawna en colaboración la Confederación de Nacionalidades de Indígenas Amazónicos del Ecuador (CONFENIAE)– así como los testimonios de sus realizadores y productores. Este largometraje fue seleccionado como caso emblemático de estudio, debido a que es la producción más elaborada de cine de los pueblos amazónicos hasta la fecha. El documental involucra a varias nacionalidades originarias así como a cineastas y dirigentes indígenas en un ambicioso trabajo de autorepresentación, que busca construir un legado audiovisual para las futuras generaciones.

 

Bio: Yadis Vanessa Vanegas-Toala es Doctora en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra (UPF, Barcelona-España), Magíster en Estudios de la Cultura por la Universidad Andina Simón Bolívar, sede Ecuador (UASB-E). Su investigación doctoral indagó sobre las prácticas comunicacionales y la defensa ecoterritorial en la Amazonía del Ecuador. Desde el 2010, es docente e investigadora de la Carrera de Comunicación de la Universidad Politécnica Salesiana (Quito, Ecuador); y, actualmente, coordina el grupo de investigación en “Comunicación y Derechos”. Sus líneas de investigación cruzan los estudios de comunicación, movimientos sociales, ecología política crítica y feminismos del Sur. Ha escrito diversos capítulos de libros y artículos científicos, entre los que destacan: “Eco-Territorial Cinema: An Intercultural, Translocal, and Expanded Community Process” (2023) y “Technopolitics, connective action and convergent activism: emerging communication practices from ecosocial struggles” (2019). Es miembro del grupo de trabajo de Comunicación, Culturas y Política del Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales (CLACSO).

 

Christian León es Doctor en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y Magíster en Estudios de la Cultura mención Comunicación por la Universidad Andina Simón Bolívar, sede Ecuador (UASB-E). Sus líneas de investigación son visualidad, colonialidad y etnicidad; arte contemporáneo y diferencia cultural; medios, memoria y cultura popular. Es autor de los libros: La pulsión documental. Audiovisual, subjetividad y memoria (2022), El oficio de la mirada. La crítica y sus dilemas en la era postcine (2021), El museo desbordado. Debates contemporáneos sobre musealidad (2015), Reinventando al otro. El documental indigenista en el Ecuador (2010), Ecuador Bajo Tierra.  Videografías en circulación paralela (2009), El cine de la marginalidad: realismo sucio y violencia urbana (2005). Es profesor invitado en programas de posgrado en distintas universidades de América Latina. Actualmente se desempeña como Director del Área de Comunicación y docente-investigador en la Universidad  Andina Simón Bolívar (UASB).

 

Dr. Miriam del Saz (Universitat Politècnica de València) and Dr. Chiara Sgaramella (Universitat de Barcelona). El saber a les mans. Arte público y experimentación gráfica en escucha del territorio.

 

L’Horta de València ha sido reconocida recientemente como Sistema Importante del Patrimonio Agrícola Mundial (FAO, 2019). Este agroecosistema, basado en cultivos irrigados por las aguas del río Turia a través de una red de canales y acequias de herencia islámica, representa un modelo de gestión horizontal de recursos clave (Ostrom 2011) y de conservación de suelos y biodiversidad cultivada. Sin embargo, su extensión se ha reducido de manera significativa en las últimas décadas debido a las fuertes presiones urbanísticas derivadas del extractivismo turístico y de la industria de la construcción. Las recientes inundaciones de 2024 han puesto de manifiesto el papel ecológico crucial que desempeña este ecosistema amenazado, resaltando la necesidad urgente de protegerlo en un contexto de crisis climática y social (Giobellina 2014) y de preservar su legado cultural.  La presente comunicación describe el proyecto artístico El saber a les mans (2023), una obra que busca contribuir a revitalizar la memoria y los conocimientos incorporados y situados de l’Horta valenciana frente a su invisibilización epistémica en el contexto académico y social. En su dimensión iconográfica, la obra remite al imaginario del trabajo manual y de las herramientas del campo como materializaciones de la relación entre el cuerpo individual y social y el medio, así como respuesta a los problemas y desafíos contextuales. La pieza se construye mediante la estratificación de imágenes de archivo realizadas por medio de la sublimación, la estampa serigráfica y el bordado. La intervención se nutre de un proceso experimental centrado en los procedimientos de la gráfica, que se basa en el uso de pigmentos locales y de origen natural. La investigación se ha desarrollado en colaboración con el museo etnográfico de Valencia L’ETNO, el grupo de investigación Recartografías de la Universitat de Valencia y el proyecto de agroecología y pensamiento crítico Vorasenda.

 

Bio: Miriam del Saz es Doctora en Bellas Artes, investigadora y profesora en la Universitat Politècnica de València. Su trabajo se centra en la litografía como hecho artístico y su interacción con otros medios creativos. Parte de los conceptos y las comprensiones propias del grabado y de los sistemas de estampación hacia la concreción de acciones de carácter transdisciplinar. Como artista e investigadora, el interés de su obra reside en la observación e interacción con el espacio público con énfasis en los comercios locales y/o ambulantes y la transformación de la identidad a razón de las políticas territoriales y las comprensiones sociales de los distintos lugares.

 

Chiara Sgaramella es artista, investigadora y educadora, investiga las intersecciones entre prácticas colaborativas y arte de enfoque ecosocial en el panorama contemporáneo. Es doctora en Bellas Artes; ha sido Visiting Scholar en el Center for Creative Ecologies de la University of California Santa Cruz e investigadora postdoctoral (Margarita Salas) en la Universitat de Barcelona. Es autora de numerosas publicaciones que indagan el nexo entre arte y ecología. Paralelamente a la actividad académica y docente, desarrolla proyectos artísticos y pedagógicos en torno a temáticas relacionadas con los usos de la tierra, la agroecología y la soberanía alimentaria adoptando un enfoque ecofeminista y transdiciplinar.

 

Minería, Sequía, Colonialismo. Participants: Dr. Bárbara Fluxá (artist and researcher, Universidad Complutense de Madrid), Dr. Paula Bruna (artist and researcher), Gabriela Bettini (artist and researcher).

 

Bárbara Fluxá Álvarez-Miranda (Madrid, 1974) es artista multidisciplinar, investigadora y docente en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Es especialista en nuevas estrategias y prácticas artísticas en torno a la crisis sistémica medioambiental y las relaciones entre humanidad, tecnología y naturaleza. Su obra pretende visibilizar la instrumentalización occidental del espacio naturaleza y propone un nuevo imaginario que supere la era del Antropoceno en la que vivimos. Posee una intensa trayectoria artística a través de su participación en numerosas exposiciones individuales y colectivas, así como en proyectos de producción e investigación artística, dentro y fuera de España. Cabe destacar, de las últimas becas y subvenciones recibidas, la estancia de investigación en la Real Academia de España en Roma (Italia), la Beca Leonardo a creadores e investigadores Culturales (2017) de la Fundación BBVA, la Beca Propuestas (2020) de la VEGAP y la ayuda extraordinaria Matadero Crea (2021) del Ayuntamiento de Madrid. En 2023, lideró un proyecto colaborativo transdisciplinario dentro del programa Art for Change’22 de la Fundación «la Caixa».

 

Paula Bruna (Barcelona, 1978) es doctora en bellas artes (UB) y licenciada y máster en Ciencias Ambientales (UAB). Como ambientóloga y artista, Paula explora el entorno ecológico desde perspectivas no humanas, combinando ciencia, ficción especulativa y prácticas artísticas. Los resultados de su investigación se han presentado en congresos nacionales e internacionales, publicaciones, talleres y exposiciones en lugares como Kunstraum Lakeside (Klagenfurt, Austria), MEIAC (Badajoz), Palacio Condes de Gabia (Granada), La Capella (Barcelona) y Arts Santa Mònica (Barcelona), entre otros, y en festivales como el Internacional de la Imagen Manizales-Bogotá (Colombia), Panoràmic (Granollers-Barcelona) o Art & Gavarres (Girona). Ha recibido el apoyo de las becas para la investigación artística Guasch-Coranty (UB), OSIC (Generalitat de Catalunya) y CREA (Ayuntamiento de Barcelona). Recibió la Beca Leonardo BBVA a investigadores y creadores culturales 2023 por el proyecto «Embolismo por soleá», en el que árboles y humanos hablan sobre el cambio climático con el flamenco como mediador.

 

Gabriela Bettini, artista visual española de origen argentino, aborda desde una perspectiva ecofeminista la relación entre ecología, memoria y representación del paisaje. Su obra analiza críticamente la tradición pictórica occidental y su conexión con el pensamiento hegemónico, el extractivismo y la crisis socioambiental. A través de su biografía, marcada por la dictadura militar argentina, Bettini explora la intersección histórica entre colonialismo y neoliberalismo. Ha expuesto en instituciones como el Paço Imperial (Río de Janeiro), la Biblioteca Nacional Mariano Moreno (Buenos Aires) y BIENALSUR 2021 (Gran Canaria). Su trayectoria incluye muestras en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Buenos Aires), TEA Tenerife, el Centro Cultural Borges (Buenos Aires) y el Centro Cultural Tlatelolco (Ciudad de México). Ha recibido el Premio Derivada de la Fundación Banco Santander (2020); ayudas a la creación (Ministerio de Cultura, 2020, y Comunidad de Madrid, 2017, 2020 y 2023); las becas MAEC-AECID (Roma) y Fundación «la Caixa», British Council. Su obra forma parte de colecciones como el Museo Reina Sofía, el Ministerio para la Transición Ecológica y Reto Demográfico, Sandretto Re Rebaudengo Collection, MAC (Madrid), CA2M, DKV, Basmoca Museum (Arabia Saudita), Fundación Bancaria Caja de Extremadura y la Academia de España en Roma (Italia).